BATMAN: EL CABALLERO DE LA NOCHE

La última entrega de Batman fue dirigida por uno de los mejores directores de Hollywood: Christopher Nolan quien ha realizado un excelente trabajo con esta película, la cual esta entre mis preferidas.

Comenzare hablando sobre la creación de personajes, crear un personaje es un trabajo arduo, desgastador y en muchas veces decepcionante, hay que tener muchos aspectos en cuenta, el pasado del personaje, la psicología, la familia, los recuerdos, los momentos dramáticos, que definirá el comportamiento en el momento que relata la película, su paleta de color, sus manías, sus pensamientos, su vestuario, su forma de pensar y hablar, Christopher Nolan logra un muy buen trabajo creando al Guasón, el lleva la carga actoral de la película y logra quitarle protagonismo a Batman, y sin dejar de lado la maravillosa actuación de Heath Ledger, uno de los aspectos mas importantes en una película es la presentación de los personajes, hay muchas maneras, de presentarlos y de decirle al espectador quien es, que hace y porque, algunas películas, lo hacen con letras, otras con un narrador, otras permiten que el personaje se presente a si mismo, pero en Batman, desde el principio de la película nos dicen quien es y como se comporta el guasón, a través de sus acciones, el maneja la doble moral engañando a sus colaboradores quienes están robando un banco, hace que entre ellos se maten solo con el objetivo de obtener mas dinero, y así mostrar la maldad que hay en las personas, esto es algo que el guasón hace todo el tiempo, el quiere que la gente se mate uno con los otros, por un interés personal, no le interesa acabar con Batman solo quiere sembrar el pánico y poner en contra unos con los otros y Batman es su mayor obstáculo, no quiere lo que otros antagonistas buscan, dinero y poder, el solo quiere ser el causante del caos, llevar a la cuidad al colapso, y demostrar que todos lo seres humanos son corruptos y pueden doblar sus convicciones ante una amenaza, el es un traicionero y engaña, engaña aun al espectador, haciéndonos pensar que Batman lo había atrapado y no resulta que el se dejo atrapar para llegar a Batman, es un personaje misterioso, jamás nos deja saber el porque tenia esas cicatrices en su cara, siempre nos relata una historia diferente, es tan complicado su psicología que ni aun Batman logra entenderla, en verdad es la personificación del mal.

Otro aspecto favorable de la película, es el montaje, todo va hacia el clímax final, cada detalle cada frase cobra sentido en el clímax, al pasar los minutos, la película se va haciendo mas complicada, el espectador piensa que no hay solución para los problemas que se están planteando, hay un loco en la calle que nadie lo puede parar, no hay solución para este problema, al llegar al clímax la tención ya esta bastante alta, pero después que el guasón es atrapado ya todo cambia y nos podemos relajar.

Batman: el caballero de la noche es una película muy bien lograda en cuanto a creación de personajes, estructura de guion y parlamentos.

CIUDAD DE DIOS

Ciudad de Dios es una película brasilera, dirigida por el señor Fernando Merielles, posee la característica mas importante del cine latinoamericano y es la de hablar del contexto social económico, político y cultural que vive su país de origen, en pocas palabras: habla de si mismo, orgullosamente el cine independiente de Latinoamérica, que es la gran mayoría, trata sobre su historia, sus vivencias, su cultura, y la expone ante el mundo para que este sepa que esta vivo, que tiene un pasado, un presente y un futuro, Ciudad de Dios nos cuenta la historia de las favelas, con este nombre se le conoce en Brasil a los asentamientos irregulares, conocidos en Colombia como barrios de invasión, y a esta ciudad se le llamo Ciudad de Dios.

Para hablar del montaje de esta película debemos empezar por la forma en que esta contada la historia, este film rompe el canon clásico y decide contar la película en forma no lineal, la primera escena que vemos, en realidad es la que desencadena el final, saltamos al pasado donde el protagonista nos cuenta su historia y la historia de su ciudad, desde los años 60, la dirección de arte logra muy bien la diferencia de los tiempo con respecto a la edificación, el vestuario no cambia mucho ya que hablamos de tierra caliente y no se ve mas que bermudas y camisetas, la historia se divide en la vida de sus personajes, ellos van creciendo y nos cuentan los sucesos que pasaron mientras la ciudad crecía, la cámara en mano esta presente en casi todo el film, son muy pocos los planos que tienen la cámara sobre un pedestal, la mayoría de escenas son de acción hay golpes, discusiones, gritos y bala, en estos momentos la cámara esta en un constante movimiento, son muy notorios los planos cenitales, sobre todo en las persecuciones, también los planos generales que muestran toda la cuidad, el ritmo es rápido aunque varia en algunos momentos, en el paso del tiempo también es involucrado un manejo de cámara, ya sea que gire alrededor del personaje o que sea estática pero que muestre el pasar del tiempo, como por ejemplo en la escena que se ve cuando cambia de dueño el local donde venden la droga, es un cambio de escenografía, vestuario, personajes e iluminación, donde la cámara esta presente pero nunca se mueve, esta película tiene un gran montaje bastante rítmico y verosímil.

Quería concluir este trabajo hablando de la cruda realidad que muestra “la ciudad de Dios” aunque el lenguaje cinematográfico sea aplaudido me parece que la temática es bastante cruel y la verdad no se que tan exagerada pueda llegar a ser, pero las muertes a causa de la droga el trafico de armas, la sed de poder, es un problema que estamos viviendo en América latina y que cada día toma mas poder, el problema es la corrupción entre el poder publico, y a raíz de eso no hay control ni forma de detener la cruel realidad, el cine hace su parte mostrando la verdad, pero es hora que el pueblo tome control sobre el asunto y exija mejores condiciones de vida.

SNATCH: CERDOS Y DIAMANTES.

Snatch es una película dirigida por el señor Guy Ritchie, temáticamente este film es muy completo, toda la historia gira alrededor de un diamante, usando el boxeo clandestino como centro de atención, además de la historia las grandes actuaciones de Benicio del toro y Brad Pitt, quienes protagonizan esta historia y sus personajes se ven envueltos en una lucha por el diamante, es una película con humor negro, y grandes sátiras.

Seria imperdonable hablar de Snatch y no tocar su maravilloso montaje, el montaje cinematográfico es pieza esencial de las películas, hay quienes aseguran que es la película, la verdad es el momento en que podemos materializar, organizar, editar, juntar y hacer una realidad el conjunto de imágenes filmadas con anterioridad, hay muchos tipos de montaje, Eisenstein los clasifico en cuatro nombres: Analítico, Sintético, Narrativo y Expresivo cada uno de ellos varia según los planos manejados y su duración, a mi parecer Snatch clasifica en el analítico por sus planos cercanos y de poca duración, lo que le da a la película y es en lo que me quiero detener el ritmo.

El ritmo se logra según la duración de sus planos, si mi historia es una historia lenta, donde me interesa mostrar el dolor de los personajes, su angustia y desespero, pues pego planos de larga duración, que haga que la lectura de la película sea mas lenta, pero si por el contrario tengo una escena de acción y me interesa mostrar la acción, tendré que pegar planos de poca duración que permita que la lectura de mi película sea mas rápida, Snatch emplea esta técnica, la cual es muy llamativa, y gusta demasiado, además de eso se acelera los planos para detenerlos en un momento determinado, logrando así un ritmo muy rápido y agradable, sobre este montaje podemos dar un par de ejemplos, en la presentación de los personajes, cada uno de ellos esta desarrollando una acción y de pronto se detienen queda congelada la imagen, juntan esa imagen con una animación del personaje y nos dan su nombre, mientras el protagonista nos cuenta su historia, o para mostrar la adicción que tiene el personaje Franky interpretado por Benicio del Toro, por el juego, se muestra planos de poca duración de los casinos, juegos de naipes y demás, logrando de esta manera una forma rápida y concisa, que el espectador sin perder el hilo de la historia se informe atreves de las imágenes del pasado del personaje.

Snatch es una muestra de lo que el montaje puede hacer para lograr un buen ritmo, pero un buen montaje es aquel que se es pensado desde el guion, y que a pesar del tratamiento que se da en cada etapa de este no se pierde su escancia y se logra al final.

Rescatando al soldado Ryan.

Es una película bélico-dramática dirigida por el señor Steven Spielberg, por lo tanto es de suponer que esta cargada de suspenso, ya que el director Spielberg es especialista en manejar este tipo de emociones, mas halla de que la película narre la vida de unos soldados que se les encomienda la tarea de encontrar a un soldado llamado Ryan, debemos mirar el excelente trabajo sonoro que se logra en esta cinta.
Empeñado Steven Spielberg en no hacer una película hollywoodense, decide junto con sus colaboradores, hacer una mezcla sonora diferente, se podría considerar que el sonido se encuentra ausente y muy lejano en algunas escenas, desde luego muy bien logrado en las escenas de combate, el sonido en esta cinta es psicológico, acompaña al personaje en sus momentos mas crueles y permite a los espectadores sentir la angustia del personaje, a la llegada de los soldados a una playa en las primeras escenas, el capitán Jordi Brau se siente aturdido por las bombas y balas que caen sobre el, no escuchamos mas que un sonido como si estuviéramos bajo el agua, las bombas y balas son sonidos aislados que no parecen tener mayor relevancia, así que podemos comprender un poco el sufrimiento del personaje.
En las escenas de combate no encontramos la participación de la música, como acompañamiento de la imagen, la verdad no existe, solo podemos escuchar las balas, bombas, gritos y demás, eso no quiere decir que no sea buena la música de este film por el contrario, es muy buena, la música se desarrollo con una filarmónica, además que es muy triste y es invocada en los momentos de angustia y tristeza de la película, al no haber música en las escenas de combate, nos permite estar mas atentos a la mezcla de sonido la cual en muy buena, podemos ver en un primer plano una ametralladora disparado muchas balas al tiempo, y podemos escuchar fielmente la bala siendo disparada junto con el cartucho y el cambio que hace la ametralladora para disparar nuevamente, pero al tiempo sin ver podemos imaginar una bomba que cae a lo lejos y explota en la arena, y podemos estar visualizando balas que son disparadas un poco mas cerca del personaje, todo esto se logro gracias a muchos meses de investigación y preparación, ya que las armas suenan distinto según su fabricación y tiempo de existencia.


Podemos hablar también del montaje que tiene esta película, en las escenas de combate, la cámara se convierte en un soldado más, la cámara esta luchando junto con los soldados, también corre peligro de muerte, recibe las bombas, se sumergue en el agua, haciendo un trabajo conjunto con el sonido que también cambia de espacialidad, la cámara en mano es el mejor aliado para estas escenas, Este tipo de montaje lo podemos ver en la reportaría de guerras, ya que el reportero de las guerras tenia que estar hay en el campo de batalla para poder informar la verdad oportunamente, ya en escenas mas tranquilas, donde hay diálogos y pocos movimientos, la cámara esta fija, hay paneos, zoom y demás.

“Rescatando al soldado Ryan”. En una muestra más del buen uso del sonido, no solo como complemento de la imagen, si no como uno solo, los dos bien encaminados logran la mejor combinación.

DELICATESSEN

Esta película nos relata la eterna lucha del ser humano por sobre vivir, esta ambientada en un tiempo incierto en la ciudad de Francia, y se desarrolla en un edificio de apartamentos, donde viven los inquilinos, la persona que parece tener el control de la situación, quien mantiene el orden y quien lucha por que todos puedan sobrevivir es el carnicero, un hombre aparentemente muy astuto quien con sus engaños logra sostener y proveer de alimento a todos los inquilinos, un nuevo inquilino llega para cambiar la vida de todos.

Al ser una película post- apocalíptica el tratamiento visual esta muy bien logrado, la atmosfera es desértica. Desde el inicio de la película vemos una iluminación inclinada a los amarillos y naranjas, dando la impresión que el cielo a sido arrasado y solo queda un sol fuerte, convirtiendo el mundo en un desierto, (es mi opinión personal y una de las explicaciones de porque el alimento escasea y los personajes han llegado al punto del canibalismo), esta atmosfera de desierto la vemos en toda la película, la fotografía se mantiene, en los interiores es notable en menor proporciones, aparece algunas luces frías, pero solo en pocos espacios, de resto vemos a los personajes amarillos, pero se intensifica en los exteriores, donde no solo la luz amarilla y naranja se apodera de un gran porcentaje de la pantalla, sino que hay una especie de neblina en todo momento que no nos permite ver a lo lejos, una sensación de destrucción, de soledad y de incertidumbre. En el único espacio que cambia la luz y es por su situación geográfica es en la habitación del señor sapo, allí los colores cambian a luces blancas y frías, dando la sensación de estar en un pantano, aun para el espectador es notable este cambio, toda la película hay una sensación de calor de estar cálidos, pero de pronto se cambia al entorno del señor sapo quien vive en medio del agua de sapos y caracoles y se siente el frio y la humedad, en temas de fotografía esta película genera sensaciones muy puntuales, en ningún momento se sale del contexto.

Otro tema para resalta es la Dirección de arte, si la fotografía esta muy bien lograda para la atmosfera que se esta construyendo, en temas de arte no se queda atrás, cada personaje se diferencia del otro gracias a su entorno, a pesar de que todos viven en un mismo lugar, sus condiciones de vida son diferentes, puedo ver una estratificación en cada uno de ellos, el señor sapo quien vive en una especie de sótano, su paleta de colores es semejante a su entorno, su vestuario, ropa en mal estado y sucia, la ambientación y la utilería, los lentes con pimpones que semejan los ojos de un sapo y la serpentina de fiesta que usa como lengua de sapo, los hermanos quienes poseen una fabrica, allí encontramos maquinaria, y los vemos trabajando en ellas, su espacio es como el de una fabrica de verdad, material de trabajo papeles, etc. Su vestuario cambia usan sacos y camisas, se ven limpios y aseados, en otro apartamento vemos una familia, papá, mamá he hijos, a pesar de la pobreza y escases viven en un entorno limpio, muy hogareño, cuadros, televisor, muebles, y por ultimo quiero resalta la vida del carnicero y su hija, viven en un apartamento limpio, bastante moderno a comparación de sus vecinos, una vida mas prospera, mas tranquila, y así mismo se visten, ahora que me dicen del carnicero, lo que mas lo caracteriza es la utilería, sus cuchillos bien afilados y relucientes, la tienda, es una tienda de barrio son su pesa, estantes y demás, el viste un delantal.
Delicatesen es una película con una propuesta diferente y llamativa, no solo en el área temática, también en su fotografía y arte, nos muestra como se puede cambiar una atmosfera, diferenciar personajes sin cambiar de contexto desde el excelente trabajo de estos dos campos.

WALL•E

Es una película de animación dirigida por el señor Andrew Stanton, y producida por Pixar Animation Studios, visualmente tiene una característica, si bien no es la primera película realizada por computador, si el la primera película de Pixar que obtuvo escenas grabando los movimientos de personas y objetos reales, este sistema se denomina live action.

Una de las características más importantes de WALL·E, es la banda sonora, debemos recordar que la banda sonora de una película contiene: diálogos, fole, sonido ambiente y música, es en este punto, donde el señor Ben Burtt diseñador de sonido, pone en practica todo su conocimiento y experiencia, ya que se encuentra con un gran problema: los personajes no son humanos, son pequeños robots los cuales viven en la película un romance, por lo tanto hay que humanizarlos dándoles sentimientos y emociones igual que los humanos, en la película hay muy pocos diálogos y si muchas expresiones corporales, y es lo que hace interesante este largometraje, Ben Burt crea todos los sonidos de la película, lo cual es muy complejo, hay que contar con los sonidos la historia, los personajes no pueden decir sus sentimientos con palabras, solo con expresiones, y cada movimiento lleva consigo un sonido, el sonido al igual que el movimiento tiene que expresar una emoción o sentimiento, para que el espectador pueda comprender la situación, en ningún momento se quería capturar sonidos y después editarlos y mezclarlos para que sonaran a algo parecido a un robot, lo que se hizo fue crear cada sonido en un estudio, y de esta forma tener un control sobre la banda sonora, eso quiere decir que toda los sonidos incluyendo música y demás fueron creados, los pocos diálogos que se tienen en la película si fueron capturas directas, pero las voces de los personajes (robots), sus movimientos y demás fueron creados.

Al igual que en Star Wars hay un problema de verosimilitud: el sonido en el espacio no se propaga, por lo tanto seria imposible que algo se escuche en el espacio, sin embargo en las dos películas pasan por alto este problema científico y deciden crear un universo donde eso sea posible, ahora bien seria muy aburrido ver una película donde hay escenas en el espacio y no se pueda escuchar nada, se perdería la magia, uno de los ejemplos mas claros es la escena donde WALL·E y EVA bailan por el espacio, como WALL·E no tiene propulsores, utiliza un extintor para poder impulsarse y así seguir a EVA, en este momento de la historia hay sonidos en todos los movimientos, en la voz de EVA y en el extintor, de lo contrario seria una experiencia aterradora para los espectadores.

El sonido representa el 50% de la película, y WALL·E nos enseñan que si se puede lograr una excelente banda sonora, países como Colombia, donde el sonido no se tiene en cuenta, pensando solo en la imagen, debemos reflexionar, en la importancia del sonido, y que si se puede hacer buen uso y una perfecta aplicación de este.

Mejor imposible

Mejor imposible una comedia irónica, sobre la vida y como esta puede cambiar gracias alas relaciones con las personas que menos pensamos.

Melvin Udall es magistralmente interpretado por Jack Nicholson, gracias a la excelente labor a la hora de crear un personaje, crear un personaje no es tarea fácil hay que tener encuentra muchos aspectos de la vida cotidiana, vida social, económica, familiar etc, pero Melvin Udall es un personaje muy completo con características muy puntuales que enriquecen su vida ficticia, además de sufrir un desorden obsesivo, que no le permite tener muchas relaciones sociales, ni afectivas, ni personales con los demás seres humanos, es exagerado, ya que cada ves que llega de la calle se lava las manos y solo utiliza un jabón por lavada y lo tira a la basura, debe salir a comer a un restaurante donde lleva sus propios cubiertos desechables, entre menos roces tenga con los transeúntes mejor y su ridícula objeción por no pisar las líneas del suelo de la calle es súper enriquecedora, odia a sus vecinos, trabaja en su propia casa, no quiere los animales, es egocéntrico, esto lo podemos ver en el momento en que Carol Connelly la camarera del restaurante, renuncia para cuidara a su hijo enfermo, Melvin solo piensa en que no hay nadie mas quien lo atienda y se lo soporte, y la busca para obligarla a que regrese al restaurante para que lo atienda, sin importarle su hijo, es uno s de los personajes mas completos, lleva toda la carga actoral en esta película.
Todo personaje debe sufrir una transformación a lo largo de la historia, por supuesto este guion es muy bueno porque entre sus múltiples características se encuentra esta, el que su vecino homosexual sufra un accidente y por primera ves en la vida se vea en la necesidad de ayudar a su prójimo cuidándole el perro, y que se encariñe con el perro y el perro con el, que ayude a Carol Connelly con la enfermedad de su hijo, pagándole un buen medico, el que lleve a su vecino a la casa de los padres, y que finalmente acepte que esta enamorado de Carol, es el resultado de toda una trayectoria de eventos desafortunados que ponían en peligro su vida egoísta y caprichosa, pero al final cambia su forma de pensar y de actuar.

Pulp fiction es una de las primeras, si no, la primer película que rompe con la estructura del canon clásico, de lo contrario creería que esta película seria muy aburrida, o por lo menos común y corriente, pero esta película marca la diferencia al cambiar la estructura clásica y romper con una línea de tiempo consecutiva, juega con el tiempo de los personajes, al mostrarnos tres grandes historias, y como sus personajes se enlazan al final de la película.

La historia es muy sencilla Vincent Vega y Jules deben recuperar un maletín y llevárselo a su jefe, de este momento se desata una serie de situaciones violentas e irónicas, que no son contadas en forma lineal, esto hace que sea un buen guion, ya que al entrarse en formular una estructura tan complicada, donde el tiempo real cambia según el personaje y la historia, lo que quiere decir que si el personaje vive un presente, es el pasado del personaje anterior y así sucesivamente, esto hace que se pueda perder en algún momento el hilo de la historia y el espectador que de confundido y perdido con respecto a lo que ve en pantalla, pero fue precisamente esto lo que le dio fama a la película, que el espectador no se perdía y al final de esta entendió claramente de que se trataba la película y se hizo un tiempo lineal al atar todos los cabos, además de la estructura de la película no lineal, es bastante interesante los diálogos, uno de los dialogo mas interesante lo encontramos al principio de la historia cuando Vincent Vega y Jules, van en el auto y hablan sobre hamburguesas y sus nombres muy diferentes en Europa por causa del sistema métrico, el espectador podría pensar que este dialogo no tiene fundamento, pero se sustenta cuando entran en la habitación donde están las personas que tienen el maletín y están comiendo hamburguesas, además de utilizar una cita bíblica que le da mas misterio a la situación y al personaje.
Las situaciones irónicas y un poco ilógicas como cuando Vincent Vega, se le dispara el arma y mata a un joven que va con ellos porque el carro cogió un pequeño hueco, o que Butch a sabiendas de que lo matarían si volvía a su casa decida devolverse por un reloj de oro que era de su padre.

Es una película muy interesante con un buen guion estructurado de forma diferente, es una de las obras cumbres de Quentin Tarantino.

300

300 una película hecha 100% croma, todos los que hemos manejamos croma sabemos las dificultades que se tienen para lograr un buen efecto y lo mas importante, que no se note, en esta película logran un croma perfecto, tal ves el mejor que se allá visto, esto implica que se rodara en estudio en su totalidad, y se utilizara luz artificial en todos lo momentos de la película.

La iluminación (parte importante para lograr un buen croma), es bien manejada, no solo por que se ilumino bien el fondo y los personajes, para lograr que a la hora de la edición el croma quedara limpio, si no que se maneja todo el tiempo los parámetros de el comic, (ya que esta película viene de un comic). Luz y sombras: tanto la luz como las sombras están bien marcadas, podemos verlos en los rostros de los personajes, una luz que pega en una parte del rostro dando sombra en las demás áreas, o en las sombras que expiden sus pectorales, en los momentos de batalla de la película podemos ver que es muy poco el porcentaje del cuerpo que esta iluminado, y las de mas áreas están en sombra, sin perderse la figura del cuerpo, son esos contrastes que caracterizan a la película, contrastes bien marcados. Ya que sabemos que todo el tiempo es luz artificial generada por el estudio, tenemos esa luz amarilla todo el tiempo, haciendo honor a los colores que vemos en la película, los colores que identifican a los espartanos, el amarillo, dorado y rojo, aun en la presentación del film nos dan la información que en toda a proyección se manejaran esos colores, solo se alcanza a percibir una luz que parece De día, al principio de la historia, cuando llega el mensajero del rey Jerjes. De resto tenemos días nebulosos, con una luz de sol bastante fuerte, pero que aun así no estalla la imagen en ningún momento, pero este juego de luz sombra y de aéreas iluminadas versus tinieblas, es una constante que identifica la película, esos fondos paisajistas, e irreales bien logrados, en armonía con los personajes, un ejemplo es cuando el mensajero de Jerjer, cabalga por los montes y se ve la ciudad espartana, la luz del cielo pega en ciertas aéreas de la ciudad dejando partes de la misma en sombras, disminuyendo poco a poco asta llegar a tinieblas, o en la parte en que el enviado por el rey Leónidas narra la historia de los 300 hombre, en medio de la noche, la escena esta iluminada por tres fogatas, que ilumina parte del cuerpo y rostro de las personas, y una luz azul en sus hombros proveniente de la luna.

La armonía de la iluminación va de la mano con el arte manejado en esta película, y es lógico de lo contrario seria imposible haber logrado que todo fuera verosímil, aunque no tenemos muchos trajes despampanantes, si tenemos que resaltar que toda la construcción tanto de la ciudad, como de los campos y del lugar de batalla, fue construido en estudio, así que las dificultades para la dirección de arte fueron bastante grandes, ahora notemos lo bien logrados que fueron los escudos, cascos y lanzas de los espartanos, lo que mas me impresiono fue la caracterización del
rey Jerjes, aunque viene del comic, me parece que el maquillaje vestuario e iluminación le dan la importancia y altura que necesita el personaje, ahora tal ves lo mas importante para arte, la sangre, iluminar y crear sangre para que parezca real es un poco complicado y se requiere de tiempo y ensayo para lograr unas pocas tomas, ahora imaginemos toda una película, donde la sangre esta a la orden del día.

Esta película logra un buen manejo de iluminación que armoniza con el arte, también hay que exaltar la planimetría que maneja, es algo realmente un lenguaje cinematográfico.

La ventana indiscreta - Alfred Hitchcock

Alfred Hitchcock entre muchas de sus obras, realizo la ventana indiscreta, Alfred Hitchcock es un director muy meticuloso, antes de rodar tiene todo calculado, nada puede fallar porque todo esta muy bien organizado, también organizado que si el faltara en algún rodaje sus asistentes podrían asumir la dirección ya que todo esta bien organizado, era tan perfeccionista, que si alguna escena no quedaba como el quería, volvía y la repetía, una de sus obras mas importantes fue “psicosis”

En construcción…………

Ciudadano Kane - Orson Welles

“La guerra de los mundos” la obra radial que hizo famoso a Orson Welles, pero no fue solo casualidad, fue el resultado de años de trabajo en el teatro, en la radio, en la actuación, y un talento innato, lo cual es innegable, a los 24 años que es una temprana edad para ser famoso, creo la que es considerada una de las mejores si no la mejor obra cinematográfica de todos los tiempos, “Ciudadano Kane” y la verdad no es que el se halla inventado algo nuevo, simplemente utilizo todo lo que ya existía cinematográficamente hablando y lo puso en practica, me explico profundidad de campo, el uso de grúa, movimientos de cámara, un excelente juego de iluminación, teniendo en cuenta el claro oscuro ya que la película es a blanco y negro, una de las cosas que mas me gusto fue: como la cámara juega a ser un ser omnipresente, ya que ve a los personajes desde fuera y entra por las ventanas, esto es muy difícil ya que el corte debe ser muy preciso para poder lograrlo, lo que quiere decir que el montaje fue espectacular.

La forma de narrar la película fue algo innovador, ya que para este tiempo las películas eran muy lineales, Orson Welles inicia la película desde el final, luego se mueve la película sobre el presente, viajamos asía el pasado, mientras nos cuentan la historia de “Kane” un magnate de la prensa, quien quiere gobernar el mundo pero la verdad se frustran sus sueños, la primera pregunta que nos hacemos es ¿quien y porque mataron a Kane? , pero después la pregunta a resolver es ¿que es "Rosebud"? la ultima palabra que pronuncio antes de morir, y creen que descubriendo el significado de esta palabra podrán saber porque murió, por supuesto al final nos cuentan porque murió y que significa la palabra, aunque los personajes lo desconocen.

Esta película mantiene al espectador en una constante expectativa, eso la hace tan interesante.

Taxi Driver- Martin Scorsese

Martin Scorsese uno de los directores mas talentosos de Hollywood, realiza taxi driver una joya del cine, como es habitual en Martin esta película trata sobre la vida en la ciudad, las personas malas, la sociedad y sus pecados.

A Martin Scorsese le gusta mostrar la realidad de la sociedad, además de tener unos personajes con problemas psicológicos muy grandes, Travis no se queda atrás, un excombatiente de Vietnam, siente que es rechazado por la sociedad lo cual le causa una depresión y ansiedad muy profunda, además sufre de insomnio, este ultimo lo lleva a internarse como taxista en las oscuras calles de nueva york, escusa perfecta para mostrar la degradación de las personas al caer la noche.
Personajes con facetas y matices muy marcados, que pueden cambiar en cualquier momento, por lo general las circunstancias son las que generan estos cambios, la mayoría de los personajes de Martin buscan un cambio, pero no pueden lograrlo, algunos lo consiguen pero ya cuando es demasiado tarde, Travis sufre uno de estos cambios, el es rechazado por la sociedad, la misma que al final lo alaba y lo toma como un héroe, y solo porque el deja de ser egoísta y piensa en otra persona, una joven y la salva de la prostitución a la cual llego por engaños, bueno un poco de suerte claro ya que ella era hija de padres de la alta sociedad, y la estaban buscando hace ya mucho tiempo.
Ahora bien, Martin nos presenta a Travis, su vida, sus paciones, sus problemas, y su poca suerte con las mujeres, ya que el intenta conquistar a una mujer pero no puede, su forma de ser, sus complejos y sus aberraciones, como llevarla a ver una película x se lo impiden, por otro lado su nobleza y sencillez, al aceptar un trabajo bastante peligroso y en el cual no discrimina a nadie, muchos taxistas no recogen a cierta clase de personas, por su color, por su estatus social, o por el lugar donde viven, a Travis, no le importa nada de eso y recoge al que lo solicite, además se preocupa por una joven quien siendo una niña esta siendo usada por unos maleantes, para obtener dinero vendiendo su cuerpo, paso siguiente se nos hace una pregunta, ¿Cómo va a sacar a esta niña de esa vida de prostitución? Y ¿Cómo va a cambiar su propia vida?, bueno la respuesta de Martin es muy sencilla, con violencia, sangre y muerte, eso es lo que me encanta de el, una vez Travis se da cuenta de que no puede cambiar el mundo, pero si la vida de una persona, porque intenta acecinar a un candidato a la presidencia, pero no lo hace, así que decide a ayudar a esta niña, acecinando a sus abusadores, al final la rescata de esa vida y el es reconocido como un héroe.

Podemos decir que esta película define la cinematografía de Martin Scorsese.